production

Avant le spectacle, apportez le décor et les costumes au théâtre. Les interprètes devraient passer du temps sur scène pour s’habituer au plancher et aux dimensions de l’espace.

Prévoyez un temps de montage pour permettre à l'équipe technique d’accrocher les lumières sur la grille d’éclairage, selon les spécifications de l'éclairagiste. Ce temps comprend aussi l'installation des gélatines et l'ajustement de l'angle, ainsi que la mise au point des lumières; en anglais, cela s’appelle le « hang and focus ». Installez l’équipement de son en même temps. En fonction des particularités techniques de l’espace et de la complexité de la conception, le montage peut prendre entre deux et douze heures, ou même plus.

On appelle « intensités d’éclairages »la période où l'éclairagiste construit un à un les cues (qualité, contenu et durée) pour la pièce. Idéalement, il travaille avec un crabe (une personne qui se promène sur scène) afin de voir l’effet que donne la lumière sur le corps. Le « cue-to-cue » est une répétition des transitions de la pièce pour l’équipe technique (son et éclairages). C’est aussi l’occasion d’ajuster les intensités, au besoin. Selon la durée de la pièce et la préparation de l'éclairagiste, cela peut prendre entre une et quatre heures.

La générale est une représentation de la pièce dans son ensemble. Elle est faite en temps réel, avec les costumes et tous les éléments techniques, mais sans vrai public. Prévoyez du temps à la fin de la générale pour faire des ajustements. Vous pouvez inviter un public stratégique à cette répétition pour simuler une énergie de spectacle.

Une série de spectacles commence avec la première et se termine par la dernière. La durée de la série dépend du diffuseur, ou dans le cas d’une auto-diffusion, de votre budget et de la disponibilité du théâtre. À Montréal, une série de spectacles de danse dure normalement entre 2 et 4 soirées.

La captation vidéo se fait souvent lors de la générale. Si vous choisissez de filmer pendant les performances pour pouvoir capter la présence du public, si cela est votre cas, évitez la première et la dernière de vos présentations.

Le démontage est la période durant laquelle l'équipe technique et toute autre personne disposée à vous aider démontent le décor et les lumières, et nettoient le théâtre. Assurez-vous de rendre tous les équipements empruntés ou loués dans le même état dont vous les avez reçus.

Faites un bilan avec votre équipe entière pour avoir des retours sur tous les aspects de la production.

Payez votre équipe dans les quelques jours qui suivent la dernière présentation (idéalement le lendemain). Vérifiez que votre budget s’équilibre.

Si vous avez reçu des bourses, écrivez vos rapports finaux.

Envoyez des notes de remerciement à votre diffuseur-e, vos donateur-ices et/ou vos autres partenaires.

Faites un suivi avec des diffuseur-es qui sont venu-es voir votre spectacle.

Réalisez le montage de votre captation vidéo. Téléchargez une version intégrale ou des extraits sur Vimeo ou Youtube. N’oubliez pas d’envoyer un lien à vos interprètes et concepteur-ices.

Pour vos archives, mettez de côté quelques affiches, affichettes et programmes du spectacle et conservez-les avec soin. Recueillez toutes les photos, coupures de journaux, extraits télévisuels et entrevues radiophoniques. Dance Collection Danse publie un petit guide pour l’archivage (en anglais) : Building Your Legacy: An Archiving Handbook for Dance.

Conseil : Ne tardez pas pour accomplir vos tâches de postproduction. Après le spectacle, c’est facile de perdre de l’initiative, mais ces étapes finales sont importantes.

Il n’y a pas de recette pour les rôles et responsabilités compris dans la création et la présentation d’une pièce de danse. Ils peuvent varier d’une production à l’autre, mais doivent être clairement définis chaque fois. Pour une petite production, divers joueurs ont évidemment à porter plusieurs chapeaux. C’est à vous et à votre équipe de déterminer comment répartir les tâches. Faites attention à ne pas empiéter sur les rôles de chacun.

Il y a quatre aspects fondamentaux de la production en danse et chacun regroupe plusieurs rôles. Le ou la directeur-rice de production supervise et coordonne l’entière production ; c’est le rôle le plus important. Cette personne travaille en étroite collaboration avec le ou la chorégraphe et le ou la directeur-rice technique. Cette personnes organise les réunions, fixe le calendrier de production, négocie les contrats, prend en charge tout ce qui a trait au lieu de diffusion et gère le budget et possiblement la comptabilité.

De nombreux-euses chorégraphes émergent-es assurent leur propre direction de production, ainsi qu’un bon nombre des autres rôles énumérés ci-dessous.

i. L'aspect artistique

1. Le ou la chorégraphe est responsable de la direction artistique de la production, de la création et du choix des collaborateurs.
2. Le ou la danseur-euse apprend, crée et interprète la chorégraphie.
3. Les concepteurs-rices sont responsables de la scénographie, des éclairages, des accessoires, des costumes, du son et de la vidéo. Ils ou elles conceptualisent, créent et communiquent l’univers de la pièce, et sont parfois responsables des assistant-es, comme des menuisiers, des couturiers ou des musiciens.
4. Le ou la répétiteur-rice assiste régulièrement aux répétitions et aide les interprètes à clarifier et à peaufiner leur travail
5. L’œil extérieur donne du feedback sur l’ensemble de la pièce.
6. Le ou la dramaturge soutient le processus créatif en appuyant la recherche et le développement. Cette personne fait parfois la médiation avec le public, et aide à la documentation et à l’archivage de l’œuvre.

ii. L’aspect technique

1. Le ou la directeur-rice technique supervise tous les aspects techniques de la production. Généralement, chaque théâtre a son propre directeur-rice technique, et vous n’avez pas forcément à en avoir un.
2. L’équipe technique installe les lumières et les règles (« focus »), et installe aussi les haut-parleurs.
3. À partir de leur console respective, les régisseurs d’éclairages et de son déclenchent les cues de lumière et de son pendant le spectacle.
4. Le ou la régisseur de plateau travaille en coulisse pendant le spectacle, appelle les cues, aide aux changements de costume et de décor et fournit une assistance technique générale.

iii. Promotion

1. Le ou la photographe prend des photos.
2. Le ou la responsable des communications fait les relations de presse : cette personne s’assure que le spectacle est médiatisé par des pré-papiers et des critiques.
3. Le ou la graphiste crée l’affiche, l’affichette et le programme, et parfois le dossier de presse.
4. L’équipe de distribution coordonne la distribution d’affiches et d’affichettes.
5. Le ou la vidéaste enregistre la pièce.

iv. L’aspect administratif

1. Dans les compagnies établies, le ou la directeur-rice général ou directeur-rice administratif-ve supervise le fonctionnement, rédige les demandes de subventions, s’occupe de l’administration et planifie, de concert avec la direction artistique (généralement le ou la chorégraphe), une stratégie pour les objectifs à long terme de la compagnie.
2. L’assistant-e ou adjoint-e administratif-ve assiste la direction générale.
3. Le ou la comptable fait la tenue des comptes.
4. L’agent de développement cherche des occasions de diffusion.