ÉLABORER UN PROJET

Tout processus créatif commence par un peu (ou beaucoup) de recherche. Vous ressentez le désir de créer quelque chose, mais vous ne savez peut-être pas exactement ce que c’est, ou comment vous allez vous y prendre pour y arriver. Avant même de penser à une présentation publique, vous pourriez passer un certain nombre d’heures à expérimenter seul, ou à explorer avec des amis. À un moment donné, votre recherche se cristallise en une idée de spectacle. Et maintenant, que faire?

Pour produire votre performance, vous devrez organiser graduellement les matières premières de votre création en un plan d’action. Clarifier les éléments suivants vous préparera à postuler pour des résidences, des subventions ou des occasions de performance. Cela peut également vous être utile sur le plan artistique, vous permettant de clarifier vos intentions par des mots et un plan d’action concret.

Lorsque vous commencez à partager votre projet avec d’éventuels collaborateur-rices, diffuseur-es ou bailleurs de fonds, il est important que vous trouviez une façon de parler de vos idées. Beaucoup d’artistes trouvent cela frustrant ou intimidant. Gardez à l’esprit que personne ne s’attend à ce que vous sachiez à quoi ressemblera le spectacle final. Chaque artiste trouve sa propre façon de parler de ses œuvres en cours de création, mais comme point de départ, vous pouvez essayer de répondre aux questions suivantes :

Que souhaitez-vous explorer dans le processus de création de ce spectacle?
Avez-vous des thèmes, des concepts ou des questions spécifiques à l’esprit?
Comment allez-vous élaborer ces idées en répétition?
Comment décririez-vous l’esthétique de l’œuvre?
Y a-t-il des images, des textes ou d’autres artistes qui vous inspireront?
Comment espérez-vous que le public se sentira pendant qu’il découvrira votre pièce?

N’ayez pas peur de donner des réponses simples! Vous n’avez pas besoin d’utiliser de jargon ou de phrases compliquées pour vous exprimer. Une explication claire et honnête de vos intérêts et de vos intentions est tout ce qui est nécessaire.

Les personnes qui travaillent avec vous influenceront votre processus artistique autant que vos propres idées et intentions. La constitution de votre équipe est donc une étape importante dans la définition de votre projet. Cette équipe peut comprendre des interprètes, des concepteur-rices (musique, conception sonore, costumes, lumières, décors) et un soutien artistique (œil extérieur, mentor-e artistique, répétiteur-rice ou dramaturge). Bien qu’il ne soit pas nécessaire de remplir tous les rôles avant de commencer votre processus, il est important de comprendre quels types de collaborateur-rices seront nécessaires au processus de création et de s’assurer que les plus importants sont en place.

Il est probable que vous trouverez vos collaborateur-rices dans votre cercle d’ami-es et de connaissances. Si vous êtes nouveau-elle à Montréal, c’est une bonne idée de suivre des ateliers, d’assister à des spectacles et de participer à des événements de réseautage afin de rencontrer des gens de façon organique. Bien qu’il soit quelque peu rare à Montréal que des chorégraphes émergent-es tiennent des auditions, c’est aussi une possibilité. Que vous connaissiez déjà ou non vos collaborateur-rices potentiel-les, il est important de prévoir un moment pour rencontrer chaque personne et discuter du projet avant de vous engager à travailler ensemble. C’est le moment de discuter des styles de travail, du calendrier, de la rémunération et autres attentes, et de s’assurer que le projet est bien adapté.

De nombreux artistes trouvent très utile d’avoir un œil extérieur ou un-e mentor-e artistique impliqué-e dans leur processus. Cette personne peut vous aider à clarifier vos idées. Elle peut vous soutenir, vous encourager, vous provoquer ou vous mettre au défi au fur et à mesure que le processus avance. Elle peut également vous donner des conseils pratiques sur la production et la promotion de votre œuvre. Lorsque vous recherchez un regard extérieur, vous pouvez prendre en considération des ancien-nes professeur-es ou enseignant-es d’atelier. Ces personnes peuvent apporter beaucoup de connaissances pratiques et de compétences pédagogiques. Cependant, vous pourriez aussi songer à faire appel à un-e chorégraphe en émergence qui n’a que quelques années d’expérience de plus que vous. Bien que cette personne ne soit pas aussi habituée à jouer un rôle de mentor-e, elle peut apporter une nouvelle approche et être en meilleure position pour vous aider à vous intégrer à une communauté de pairs artistes émergent-es.

Un échéancier pour votre projet vous fournira un plan étape par étape pour la réalisation de votre œuvre. Bien qu’un échéancier doive être adapté à vos besoins individuels, il comprendra probablement des blocs de temps pour les répétitions, des moments de réflexion et de planification, des rencontres régulières avec les collaborateur-ices, du temps pour élaborer des outils promotionnels et vos dates de représentation éventuelles.

Il peut être écrasant, voire carrément impossible de commencer votre projet avec un plan complètement tracé, de la première répétition à la première représentation. Au lieu de cela, travaillez plutôt avec de plus petits morceaux et des objectifs plus modestes, comme la planification d’une courte période de recherche suivie d’une présentation informelle en studio pour les ami-es et les collègues. Ce qui est important, c’est de préciser ce que vous voulez faire, quand vous voulez le faire, et de relever toute restriction de temps externe (comme les dates limites de demande) pour vous assurer que votre plan est réalisable.

N’oubliez pas que les diffuseurs programment généralement leurs œuvres entre 9 mois et 2 ans à l’avance. Certaines subventions sont assorties de dates limites de présentation des demandes, et il faut généralement de 3 à 6 mois pour recevoir vos résultats. Les demandes de résidence doivent souvent être soumises de 6 à 12 mois à l’avance. Tout cela signifie que vous devrez planifier tôt!

Conseil : Notez les dates limites et les jalons importants dans votre calendrier afin de ne pas les manquer.

Alors que vous vous préparez à approcher les diffuseurs et à faire une demande de financement, il est important d’avoir en main quelques documents spécifiques. On vous demandera de fournir ces renseignements dans les demandes ou lorsque vous communiquerez directement avec les institutions. Bien qu’il puisse être nécessaire d’apporter des modifications aux outils à des fins spécifiques, il est utile d’avoir une « version maîtresse » à portée de main. Au fur et à mesure que votre projet progresse, vous devriez consulter ces documents pour vous assurer qu’ils sont toujours exacts et qu’ils reflètent toute clarification ou évolution de votre vision de l’œuvre.

Votre présentation devrait inclure:

Un mandat artistique (1/2 page) ;
Un texte qui décrit votre parcours et expérience chorégraphique (1/2 page) ;
Une description de la pièce que vous proposez, y compris le nombre d’interprètes et la durée (1/2 page) ;
Une liste de vos interprètes, vos collaborateur-ices, et d’autres membres important-es de votre équipe;
Un échéancier pour votre projet;
Une description claire des besoins techniques ;
Du matériel de soutien, par exemple des photos de votre travail en chantier, des affichettes et coupures de journaux de vos pièces antérieures ;
Un lien vidéo (le plus souvent Vimeo ou Youtube), de la pièce proposée ou de votre plus récent travail.

Conseil : Il est essentiel que quelqu’un en qui vous avez confiance examine vos documents et vous donne son avis. Demandez à cette personne si elle est capable de comprendre clairement et facilement votre écriture et vos intentions, et si les documents visuels (photos et vidéos) donnent une impression positive et précise de l’œuvre.