DIEGO GIL

PROJET // El sentir de las superficies

EKSPRESYON

PROJET // Entwospeksyon (Introspection)

JO VIGNOLA

PROJET // Pussyboi (Chapitre 2: Wild Thing)

Le Studio 303 se joint à PACBI

En avril 2025, le Studio 303 se joint à la Campagne Palestinienne pour le Boycott Académique et Culturel d’Israël (PACBI) qui fait partie du mouvement palestinien BDS (Boycott, Divestment, Sanctions). Ce geste s’inscrit dans le contexte du génocide en Palestine, et est nourrit par les discussions quant aux pratiques artistiques qui profitent à l’État d’Israel.

Pour le Studio 303 – son équipe, sa direction et son conseil d’administration – se joindre à PACBI est un premier geste simple, mais significatif. C’est une manière concrète de soutenir une initiative portée par la société civile palestinienne, dont l’écho est aujourd’hui international. Plusieurs organismes culturels à Montréal ont déjà posé ce geste cette année. À notre tour, nous nous joignons à ce mouvement de solidarité.

En fait, notre organisme se questionne beaucoup à l’interne depuis 1 an et demi, sur quelles actions entreprendre et comment. Nous avons pris quelques initiatives de soutien ou de réflexion, telles qu’organiser des levées de fonds ou accueillir des événements de solidarité. Nous avons conscience que rester dans le silence revient à une forme de complaisance et de complicité – et souhaitons changer cette situation. 

Les arts et la culture jouent un rôle clé dans la normalisation et le blanchiment artistique (« artwashing ») des horreurs du génocide en Palestine. Nous croyons que les arts et la culture peuvent, en retour, devenir des outils pour soutenir la résistance à l’oppression coloniale et la libération de la Palestine. En refusant de collaborer avec le gouvernement israélien ou ses organismes de financement, et en boycottant tous les produits culturels et académiques qui normalisent l’État d’Israël, nous affirmons notre engagement envers l’autodétermination palestinienne. Nous cherchons à promouvoir des pratiques artistiques et des collaborations culturelles qui résistent à l’oppression coloniale et amplifient les voix de la libération.

C’est pourquoi nous ne programmons plus de pratiques qui contribuent à la stratégie de « Brand Israel », telles que le Gaga. En parallèle, nous continuerons à réfléchir et à nous renseigner à propos d’autres pratiques qui participent au blanchiment artistique.

D’autre part, nous avons conscience que certaines pistes proposées par PACBI s’appliquent difficilement. L’argument des liens financiers entre l’artiste et l’État d’Israël, comme déterminant de complicité, ne prend en compte ni les relations de longues durées avec les artistes qu’on accueille, ni la complexité des financements pour artistes. Cet argument montre aussi des failles par rapport au fait qu’en tant qu’organisme culturel Canadien, nous nous reposons majoritairement sur des financements canadiens, gouvernement complice, qui ne reconnaît toujours pas l’État de la Palestine. Cela dit, la perspective et les outils PACBI nous ont déjà permis d’avancer dans nos réflexions et actions et nous poursuivons en ce sens.

Ainsi, nous nous engageons ici à ouvrir un espace où les débats ne sont pas motivés par la peur de la faute, mais par le désir de comprendre, de soutenir et d’agir autrement. Un espace pour penser ensemble, en évitant de se comparer ou de se condamner. 

Notre prochaine action concrète sera de tenir une discussion publique sur le sujet, pour l’ouverture de SPARK (pendant le FTA). N’hésitez pas à vous joindre à nous. 

Solidairement,

La direction, l’équipe et le conseil d’administration du Studio 303

Ressources:

https://bdsmovement.net/cultural-boycott

https://bdsmovement.net/pacbi/cultural-boycott-guidelines

https://www.tadamon.ca/archive/post/5824/#

https://dancersgroup.org/2025/02/dancing-with-solidarity-the-case-for-boycotting-batsheva-and-gaga/

https://dancersforpalestine.wordpress.com/2024/12/24/mark-morris-and-gaga-movement/

https://theaterworkersforaceasefire.com/pacbi

MYCELIUM

PROJET // Prières écoromantiques

GUI B.B.

PROJET // La sommation des acouphènes

Campagne de financement 2023
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Restez avec nous !


Chèr-e ami-e,

Ce message vous parvient alors que notre bureau est en pleine effervescence à l’approche du lancement de la saison 2023-24. On réfléchit fort à construire une programmation riche et alignée avec les besoins du milieu, tout en nous remettant de cette secousse pandémique. Notre équipe est solide et le moral est bon – ici, nous vivons l’excitation du renouveau!

La période actuelle est aussi marquée par l’approche du départ de Miriam (fin juin 2023). Un moment touchant au cours duquel nous ne pouvons nous empêcher de regarder avec tendresse ce qui a été accompli ces 30 dernières années. Des premières années avec les soirées thématiques (Bruits du noir, Vernissage-danse), est né notre organisme qui à ce jour, reste encore DIY et un peu en marge. 

Les campagnes de financement ont accompagné et permis notre évolution. Démarrant en 1991 avec 9 donateur-ices, notre bassin de soutien (vous!) s’est construit au fil des ans, pour compter aujourd’hui une centaine de personnes par année – dont plusieurs assidu-es! Ce flot continu nous permet concrètement de vivre ($$!), et joue aussi un rôle revitalisant : bon pour booster notre énergie, et notre crédibilité auprès des bailleurs de fonds.

Aujourd’hui, nous entrons dans un nouveau cycle, avec, très bientôt, une nouvelle codirection. Nous avons de nombreux défis à relever. Le premier sera de réaligner notre axe activités-valeurs-ressources afin de survivre au contexte économique, mais surtout d’évoluer vers une structure plus solide financièrement, qui peut participer au milieu artistique sans peur et avec générosité.

Miriam nous laisse un beau terreau, et nous sommes excité-es de le cultiver – restez avec nous, c’est un moment important.

L’équipe du Studio 303

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AUTRES MOYENS D’ENVOYER VOTRE DON  : 

◗  Par chèque à l’attention du Studio 303 , 372 Sainte-Catherine O. #305, MTL H3B 1A2

◗  Par virement interac à info@studio303.ca (question : don, mot de passe : early23)

◗  Par carte de crédit via ce lien

◗  Via ce code QR  →

Photo Credit: Ange Loft, Talking Treaties Dish Dances workshop with Centre for Indigenous Theatre

ANGE LOFT — Îles autochtones

1 au 5 mai 2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun.-ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 320 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 66$ Tarif régulier 
Langue d’enseignement : anglais
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toutes disciplines

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* Paiement à la classe – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!


CONTENU
Combinant la création artistique interdisciplinaire et le contexte historique autochtone, Îles autochtones cherche à mettre en contexte les lieux de colonisation, les pratiques funéraires et les revendications territoriales à long terme liées à la ville de Montréal. En s’appuyant sur les recherches menées dans le cadre de la création de « Stone and Bone Spectacular » pour le Centaur Theatre, de « A Treaty Guide for Torontonians » du Talking Treaties Collective et de l’exposition « Visibly Iroquoian » du Centre canadien d’architecture, les participant-es sont guidé-es dans une exploration approfondie des indices visuels, symboliques et linguistiques de la présence autochtone sur l’île. La recherche basée sur les arts soutient une expérience d’apprentissage douce, intégrant des activités théâtrales, musicales et basées sur le mouvement.

En reliant les rivières enfouies et les lieux de colonisation correspondants, l’archéologie urbaine et les vestiges ancestraux, une chronologie de l’habitation est établie, soutenue par la documentation historique, y compris celle de la ceinture wampum des Deux Chiens de Kanesatake, et les griefs fonciers historiques à Kahnawà:ke. Finissant avec un rapide processus créatif théâtral, un résultat théâtral à faible enjeu est généré et discuté.



BIOGRAPHIE
Ange Loft (Kanien’kehá:ka, originaire de Kahnawà:ke, QC, Canada ; vit à Toronto, ON, Canada) est une artiste de la scène interdisciplinaire. Ses collaborations font appel à la recherche artistique, à la sculpture à porter, à la co-création théâtrale et à l’histoire des Haudenosaunee pour animer des ateliers et des spectacles communautaires. Elle est également chanteuse au sein du groupe Yamantaka//Sonic Titan.

Ses engagements récents incluent : Artiste en résidence à OISEE/ JHI (2021), artiste en résidence au Centaur Theatre à Montréal (2021-22), chercheuse autochtone au Centre canadien d’architecture (2022) et rôles consultatifs auprès de Native Women In the Arts (2021) et de l’Indigenous Education Council de l’Université OCAD (2021). Directrice artistique associée du Jumblies Theatre (2015-2022) et instructrice au Centre for Indigenous Theatre (depuis 2020).

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SYLVIE TOURANGEAU — Comment va ton sens du performatif?

24 au 28 avril 2023 – 9 h 30 à 13 h 30 (lun. -ven.)
Prix pour la semaine complète : 115 $ avec le soutien de Services Québec / 385 $ Tarif régulier
* À la classe : n/a – inscription à la semaine seulement
Langue d’enseignement : français
Les questions peuvent être répondues en anglais
Capacité : 12 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

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CONTENU
Sylvie Tourangeau propose cette formation axée sur la personnalisation de vos actions performatives dans différents contextes et registres d’attitude et de présence. L’accent sera mis sur la nature de vos motivations de création, la conscience de ce qui vous habite et vous différencie, la clarté de vos prises de décisions sur le vif ainsi que l’effet de transformation généré par votre engagement dans chacun des gestes que vous posez. Grâce à un apprentissage composé d’exercices pratiques, de mises en situation, d’expériences concrètes dans l’espace urbain, de « présentations » avec consignes, de commentaires actifs, les participant-es expérimenteront le plein potentiel de leur sens du performatif, quelles que soient les spécificités de leurs formes d’art.


ACCESSIBILITÉ
La formation comporte des périodes de travail individuel durant lesquelles les participant-es peuvent travailler selon leurs capacités. Pour certains exercices de nouvelles alternatives peuvent être suggérées selon les besoins de chacun-e. Cet atelier pratique exige une certaine physicalité sans que vous dépassiez vos limites. Cette formation basée sur l’authenticité de présence peut engendrer des émotions assez intenses. Il y a aussi des retours en petits et en grands groupes.


BIOGRAPHIE
En art performance depuis 1978, Sylvie Tourangeau (artiste, auteure, facilitatrice de workshops et commissaire) est considérée comme une pionnière de l’art performance au Canada. Avec le collectif TouVA, elle publie, en 2017, l’ouvrage bilingue Le 7e Sens à propos du performatif. Elle fonde le lieu de formation interdisciplinaire Espace Sylvie Tourangeau, (Joliette 1995 à 2007) et développe un lieu de coaching personnalisé, de résidences d’artistes, de workshops au cœur du patrimoine bâti du Québec, La maison aux volets jaunes (2015-2017), La nouvelle maison jaune (2018-2022). Depuis 2023, elle offre les mêmes activités près du Parc des Chutes, à Québec.

 

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ANDRÉANE LECLERC — Contorsion : ouverture, amplitude et mouvement de la colonne vertébrale

13 au 17 mars 2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun. -ven.)
Prix pour la semaine complète : 100 $
* À la classe : n/a inscription à la semaine uniquement
Langue d’enseignement : français et alternance avec l’anglais
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

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CONTENU
Être contorsionniste ne veut pas dire « être souple ». C’est une technique corporelle accessible qui s’apprend, se travaille et se développe à travers le temps. Il n’y a pas de secret. La contorsion est une hyper conscientisation des sensations intérieures du corps et un dialogue intime avec ses limites – ses alliés. Dans un constant dialogue avec son propre corps, la contorsion cherche à l’ouvrir plutôt qu’à le plier. Sans jamais repousser ses limites, nous apprendrons à collaborer avec celles-ci, et ce, dans un respect total du corps. Dans un but de démystifier le mouvement et l’amplitude de la colonne vertébrale, ce stage s’adresse à tous-tes les artistes du corps qui désirent améliorer leur souplesse ; découvrir une nouvelle technique corporelle ; avoir de nouveaux outils pour intégrer leur souplesse dans leur pratique ; développer une confiance et une connaissance qui leur permettra de s’aventurer dans un travail particulier et spécifique de la colonne vertébrale ; entamer un nouveau voyage dans la sensation intérieure de leur corps et s’ouvrir à une nouvelle approche de celui-ci.

Ces classes seront basées sur des exercices spécifiques de flexibilité active et d’allongement. Nous serons à l’écoute et au service du corps, afin d’aborder la posture, l’endurance et d’explorer les possibilités de son amplitude.


ACCESSIBILITÉ
L’approche d’Andréane ne fonctionne pas du tout avec la forme. Lors de son atelier, Andréane propose un voyage personnel et une plongée au cœur de ses sensations intérieures. Les limites personnelles deviennent des alliées, nous guidant dans un processus d’ouverture du corps. Il n’y a absolument aucun objectif d’atteindre des « trucs » tels que : « nous allons toucher nos pieds à notre tête ». C’est un espace de dialogue sensible entre soi et son corps. Les participant-es, guidé-es par les exercices d’Andréane, sont libres de suivre leur chemin personnel dans le plein respect de leurs propres capacités physiques et mentales. Les participant-es seront invité-es à s’asseoir au sol pendant de longues périodes, certains exercices sont effectués debout. Des démonstrations visuelles sont proposées, mais les explorations sont principalement guidées par des indications verbales.


BIOGRAPHIE
Artiste conceptuelle et de la performance, Andréane Leclerc s’intéresse aux rencontres humaines qui la guident vers des processus interdisciplinaires et interartistiques. Elle s’inspire aujourd’hui de ses 20 ans de pratique en cirque pour réfléchir la contorsion comme posture philosophique et développer son langage scénique.

Contorsionniste de formation (ÉNC, 2001), elle complète une maîtrise au département de théâtre de l’UQAM (2013). Cette même année, elle cofonde avec Geoffroy Faribault la compagnie Nadère arts vivants et ses pièces sont présentées à Tokyo, Florence, Le Caire, Sao Paolo, Chicago, Rouyn-Noranda et Tiohtia:ke – Moonyiang, autant sur les scènes contemporaines, qu’en musée et en galerie.

Depuis 2015, Andréane est pédagogue et offre des ateliers de contorsion et de dramaturgies interdisciplinaires. Elle participe en 2017 à la mise sur pied de Cirque OFF (Studio 303). Elle agit occasionnellement comme conseillère à la dramaturgie et au mouvement en plus d’être interprète pour divers projets internationaux.


 

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HercuSleaze par Liana the Ghost

HercuSleaze — Développe ton personnage drag et construit un numéro

6 au 10 mars 2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun. -ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 330 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 68$ Tarif régulier (lundi et/ou mardi seulement)
Langue d’enseignement : anglais
Capacité : 16 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toutes disciplines

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* Paiement à la classe, lundi et/ou mardi seulement – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).


En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!


CONTENU

Au courant de la semaine, chaque participant-es développera son personnage de drag et montera un numéro que nous présenterons entre nous lors de la dernière journée. Il y a tellement de facettes à être un-e artiste de drag que cette forme d’art peut devenir mystifiante et se montrer dans le monde peut révéler beaucoup de vulnérabilité. Cet atelier se veut être un ‘safe space’ (espace sécure) pour apprendre et se donner du pouvoir nous-même et ensemble.

Lundi : Les participant-es seront guidé-es dans des exercices pour les aider à développer leur personnage et à choisir leur nom de drag. Nous explorerons le mouvement et comment incarner physiquement notre alter ego. Chaque personne déterminera quel type de numéro iels décideront de construire basé sur leurs compétences déjà existantes. Tout le monde sélectionnera des chansons sur lesquelles performer, si applicable.

Mardi : Cette journée-là, le focus sera sur le maquillage de drag! HercuSleaze fera une démonstration, étape par étape de comment peindre un maquillage de drag king (tout est modifiable pour quelqu’un qui voudrait apprendre à faire un maquillage de drag queen ou ‘gender-bending’.) Il est encouragé de regarder le tutoriel de maquillage de Herc de 90 min. avant le cours (le lien vous sera envoyé) pour que tout le monde puisse arriver avec les mêmes bases. Les autres aspects d’une transformation à drag king tels que les perruques, le rembourrage (padding) et les bandeaux (binding) seront aussi discutés.

Mercredi : Nous commencerons à développer notre numéro à l’aide d’un éventail de compétences comme le lip-sync, les costumes à révéler, tours de magie, le striptease, la narration, les marionnettes et la danse. Nous découvrirons des rebondissements surprenants dans nos numéros pour un effet maximal.

Jeudi : À l’aide de vêtements seconde-main que l’on possède déjà, nous assemblerons nos costumes. Chaque personne personnalisera un vêtement pour le rendre plus attrayant sur scène à l’aide de peinture, de patchs, de strass et autres. Nous travaillerons sur tous les accessoires dont les participant-es auront besoin pour leurs numéros en utilisant des matériaux recyclés comme la mousse CAV/E et le carton.

Vendredi : Les participant-es devront se préparer en ‘full drag’ (costume, cheveux, maquillage) et chaque personne présentera un numéro de 5 minutes maximum à la classe pour obtenir des commentaires constructifs et des encouragements. Tous-tes auront ensuite un numéro à présenter sur scène pour le futur !


ACCESSIBILITÉ

Toute personne vivant avec un handicap physique ou visuels, de la Surdité, des troubles mentaux, une déficiences intellectuelles et/ou qui ont besoin d’un animal d’assistance sont invité-es à s’inscrire à ce cours et bénéficieront de mesures adaptées à leurs besoins.


BIOGRAPHIE

HercuSleaze est le drag king le plus connu au Canada. On peut le voir comme concurrent de la saison 1 de Call Me Mother d’OutTV et sur instagram où il s’est construit une plateforme qui le place dans les dix comptes les plus suivis de drag king au monde. Il est le producteur du cabaret de dragsters montréalais Mythos et le fondateur du compte communautaire instagram, @thekingdomofdrag, tous deux créés pour promouvoir les artistes sous-représentés en raison de leur sexe. Connu pour ses costumes détaillés et son maquillage précis, d’autres peuvent apprendre d’HercuSleaze à la DragAcademy.ca, où il a un cours préenregistré sur tout ce que vous devez savoir pour vous transformer en drag king. Hors de son drag, Meags Fitzgerald est directrice artistique et romancière graphique primée. Elle est internationalement reconnue pour ses bandes dessinées féministes, qui portent souvent sur l’identité queer.

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KATIE WARD — Corps vagabond

1 au 5 mai 2023 – 13 h à 16 h (lun.-ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 140 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 30$ Tarif régulier
Langue d’enseignement : anglais
Les questions peuvent être répondues en français
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* Paiement à la classe – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).


En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!


CONTENU
Le terme « vagabonder » signifie errer ou rêvasser de façon aventureuse. Des études ont démontré que les ondes cérébrales alpha, associées aux moments A-Ha ! et à la créativité, sont présentes lorsque l’esprit vagabonde. 

Avec un échauffement basé sur l’imagerie biomécanique, émotionnelle, sensorielle et métaphorique – nous allons conditionner et renforcer l’imagination et la proprioception – en travaillant à partir de techniques et d’images logées dans le corps. 

Nous allons explorer des pratiques hybrides – activant le matériel du corps en puisant dans les sensations, les images et les traces de techniques qui y sont logées, pour produire une danse qui se forme et se reforme constamment.

La pratique du vagabondage incorpore un format d’autodétermination. J’improvise en puisant dans mon imagination et mes archives corporelles pour découvrir des formes, des intensités, des techniques, des traces et des vestiges d’expériences. J’invite les autres à pratiquer avec moi.

La technique Vagabond sera rigoureuse, facilitant les intérêts de chacun en matière de danse et les explorant, à travers des lentilles de qualités et de valeurs. Les participant-es sont invité-es à travailler à partir de leurs désirs personnels, de leurs archives corporelles et de leur tradition de danse.


ACCESSIBILITÉ
Nous serons debout, assis-es, danserons et serons allongé-es sur le sol. Les participant-es peuvent bouger dans la gamme et l’amplitude qui leur conviennent. Les participant-es sont encouragé-es à bouger de la manière qui leur semble la plus intéressante et bénéfique. 


BIOGRAPHIE
Katie travaille sur les territoires traditionnels non cédés des peuples Kanien’kehá:ka, Haudenosaunee et Anishinaabe. Ses partitions de performance créent des conditions permettant de réimaginer ce que nous connaissons. Ses œuvres les plus récentes mettent en lumière les perspectives subjectives de l’interprète et du public en accédant au sentiment de chacun-e par le biais de partitions dansées et parlées. Elle a ainsi présenté un solo intitulé Anything Whatsoever au Festival TransAmériques (Montréal – 2021) deux œuvres de groupe – Dream Room, une coproduction avec Beeldend Danstheatre Telder (Pays-Bas) présentée en simultané à AXENÉ07 (Gatineau) & Scarabee (Arnhem) et en direct sur YouTube en 2021, et imaginationreality (La Chapelle, Scènes Contemporaines, Montréal – 2019) ainsi qu’une partition parlée jouée par 12 spectateur-trices intitulée Machine For Really Real Imaginaries (SappyFest, Sackville, New-Brunswick – 2020) et une série de chansons intitulée Vagabond body diffusée sur Radio Hull avec AXENÉ07 et Daïmon (Gatineau – 2020).

Ses chorégraphies précédentes incluent Human Synthesizer (Tangente – 2017), Matière Grise (FTA – 2016), Infinity Doughnut (2014) et Rock Steady (2010). Ses créations furent présentées au Québec et au Canada ainsi qu’au festival Nottdance – organisé par Dance4 (Royaume-Uni), au Festival Exit à la Maison des Arts de Créteil et au Festival Via à Maubeuge.

Katie est titulaire d’une maîtrise en pratiques théâtrales de l’Université Artez, à Arnhem, aux Pays-Bas et est également une enseignante dont la pratique intègre la chorégraphie, la danse, la dramaturgie, la biomécanique et l’anatomie expérientielle.