18 au 21 juin 2024

5 sept. 2023

6 au 8 sept. 2023

11 au 15 sept. 2023

18 au 22 sept. 2023

25 au 29 sept. 2023

2 au 6 oct. 2023

9 au 13 oct. 2023

16 au 20 oct. 2023

23 au 27 oct. 2023

30 oct. au 3 nov. 2023

6 au 10 nov. 2023

13 au 17 nov. 2023

20 au 24 nov. 2023

27 nov. au 1er déc. 2023

4 au 8 déc. 2023

8 au 12 jan. 2024

15 au 19 jan. 2024

22 au 26 jan. 2024

29 jan. au 2 fév. 2024

5 au 9 fév. 2024

12au 16 fév. 2024

19 au 23 fév. 2024

26 fév. au 1er mars 2024

4 au 8 mars 2024

11 au 15 mars 2024

Samedi, 16 mars 2024

18 au 22 mars 2024

1er au 5 avril 2024

8 au 12 avril 2024

15 au 19 avril 2024

22 au 26 avril 2024

29 avril au 3 mai 2024

6 au 10 mai 2024

13 au 17 mai 2024

20 au 24 mai 2024

3 au 7 juin 2024

10 au 14 juin 2024

1 au 5 mai 2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun.-ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 320 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 66$ Tarif régulier 
Langue d’enseignement : anglais
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toutes disciplines

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* Paiement à la classe – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
Combinant la création artistique interdisciplinaire et le contexte historique autochtone, Îles autochtones cherche à mettre en contexte les lieux de colonisation, les pratiques funéraires et les revendications territoriales à long terme liées à la ville de Montréal. En s’appuyant sur les recherches menées dans le cadre de la création de « Stone and Bone Spectacular » pour le Centaur Theatre, de « A Treaty Guide for Torontonians » du Talking Treaties Collective et de l’exposition « Visibly Iroquoian » du Centre canadien d’architecture, les participant-es sont guidé-es dans une exploration approfondie des indices visuels, symboliques et linguistiques de la présence autochtone sur l’île. La recherche basée sur les arts soutient une expérience d’apprentissage douce, intégrant des activités théâtrales, musicales et basées sur le mouvement.

En reliant les rivières enfouies et les lieux de colonisation correspondants, l’archéologie urbaine et les vestiges ancestraux, une chronologie de l’habitation est établie, soutenue par la documentation historique, y compris celle de la ceinture wampum des Deux Chiens de Kanesatake, et les griefs fonciers historiques à Kahnawà:ke. Finissant avec un rapide processus créatif théâtral, un résultat théâtral à faible enjeu est généré et discuté.

BIOGRAPHIE
Ange Loft (Kanien’kehá:ka, originaire de Kahnawà:ke, QC, Canada ; vit à Toronto, ON, Canada) est une artiste de la scène interdisciplinaire. Ses collaborations font appel à la recherche artistique, à la sculpture à porter, à la co-création théâtrale et à l’histoire des Haudenosaunee pour animer des ateliers et des spectacles communautaires. Elle est également chanteuse au sein du groupe Yamantaka//Sonic Titan.

Ses engagements récents incluent : Artiste en résidence à OISEE/ JHI (2021), artiste en résidence au Centaur Theatre à Montréal (2021-22), chercheuse autochtone au Centre canadien d’architecture (2022) et rôles consultatifs auprès de Native Women In the Arts (2021) et de l’Indigenous Education Council de l’Université OCAD (2021). Directrice artistique associée du Jumblies Theatre (2015-2022) et instructrice au Centre for Indigenous Theatre (depuis 2020).

24 au 28 avril 2023 – 9 h 30 à 13 h 30 (lun. -ven.)
Prix pour la semaine complète : 115 $ avec le soutien de Services Québec / 385 $ Tarif régulier
* À la classe : n/a – inscription à la semaine seulement
Langue d’enseignement : français
Les questions peuvent être répondues en anglais
Capacité : 12 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
Sylvie Tourangeau propose cette formation axée sur la personnalisation de vos actions performatives dans différents contextes et registres d’attitude et de présence. L’accent sera mis sur la nature de vos motivations de création, la conscience de ce qui vous habite et vous différencie, la clarté de vos prises de décisions sur le vif ainsi que l’effet de transformation généré par votre engagement dans chacun des gestes que vous posez. Grâce à un apprentissage composé d’exercices pratiques, de mises en situation, d’expériences concrètes dans l’espace urbain, de « présentations » avec consignes, de commentaires actifs, les participant-es expérimenteront le plein potentiel de leur sens du performatif, quelles que soient les spécificités de leurs formes d’art.


ACCESSIBILITÉ
La formation comporte des périodes de travail individuel durant lesquelles les participant-es peuvent travailler selon leurs capacités. Pour certains exercices de nouvelles alternatives peuvent être suggérées selon les besoins de chacun-e. Cet atelier pratique exige une certaine physicalité sans que vous dépassiez vos limites. Cette formation basée sur l’authenticité de présence peut engendrer des émotions assez intenses. Il y a aussi des retours en petits et en grands groupes.


BIOGRAPHIE
En art performance depuis 1978, Sylvie Tourangeau (artiste, auteure, facilitatrice de workshops et commissaire) est considérée comme une pionnière de l’art performance au Canada. Avec le collectif TouVA, elle publie, en 2017, l’ouvrage bilingue Le 7e Sens à propos du performatif. Elle fonde le lieu de formation interdisciplinaire Espace Sylvie Tourangeau, (Joliette 1995 à 2007) et développe un lieu de coaching personnalisé, de résidences d’artistes, de workshops au cœur du patrimoine bâti du Québec, La maison aux volets jaunes (2015-2017), La nouvelle maison jaune (2018-2022). Depuis 2023, elle offre les mêmes activités près du Parc des Chutes, à Québec.

12 au 16 juin 2023

13 au 17 mars 2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun. -ven.)
Prix pour la semaine complète : 100 $
* À la classe : n/a inscription à la semaine uniquement
Langue d’enseignement : français et alternance avec l’anglais
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
Être contorsionniste ne veut pas dire « être souple ». C’est une technique corporelle accessible qui s’apprend, se travaille et se développe à travers le temps. Il n’y a pas de secret. La contorsion est une hyper conscientisation des sensations intérieures du corps et un dialogue intime avec ses limites – ses alliés. Dans un constant dialogue avec son propre corps, la contorsion cherche à l’ouvrir plutôt qu’à le plier. Sans jamais repousser ses limites, nous apprendrons à collaborer avec celles-ci, et ce, dans un respect total du corps. Dans un but de démystifier le mouvement et l’amplitude de la colonne vertébrale, ce stage s’adresse à tous-tes les artistes du corps qui désirent améliorer leur souplesse ; découvrir une nouvelle technique corporelle ; avoir de nouveaux outils pour intégrer leur souplesse dans leur pratique ; développer une confiance et une connaissance qui leur permettra de s’aventurer dans un travail particulier et spécifique de la colonne vertébrale ; entamer un nouveau voyage dans la sensation intérieure de leur corps et s’ouvrir à une nouvelle approche de celui-ci.

Ces classes seront basées sur des exercices spécifiques de flexibilité active et d’allongement. Nous serons à l’écoute et au service du corps, afin d’aborder la posture, l’endurance et d’explorer les possibilités de son amplitude.


ACCESSIBILITÉ
L’approche d’Andréane ne fonctionne pas du tout avec la forme. Lors de son atelier, Andréane propose un voyage personnel et une plongée au cœur de ses sensations intérieures. Les limites personnelles deviennent des alliées, nous guidant dans un processus d’ouverture du corps. Il n’y a absolument aucun objectif d’atteindre des « trucs » tels que : « nous allons toucher nos pieds à notre tête ». C’est un espace de dialogue sensible entre soi et son corps. Les participant-es, guidé-es par les exercices d’Andréane, sont libres de suivre leur chemin personnel dans le plein respect de leurs propres capacités physiques et mentales. Les participant-es seront invité-es à s’asseoir au sol pendant de longues périodes, certains exercices sont effectués debout. Des démonstrations visuelles sont proposées, mais les explorations sont principalement guidées par des indications verbales.


BIOGRAPHIE
Artiste conceptuelle et de la performance, Andréane Leclerc s’intéresse aux rencontres humaines qui la guident vers des processus interdisciplinaires et interartistiques. Elle s’inspire aujourd’hui de ses 20 ans de pratique en cirque pour réfléchir la contorsion comme posture philosophique et développer son langage scénique.

Contorsionniste de formation (ÉNC, 2001), elle complète une maîtrise au département de théâtre de l’UQAM (2013). Cette même année, elle cofonde avec Geoffroy Faribault la compagnie Nadère arts vivants et ses pièces sont présentées à Tokyo, Florence, Le Caire, Sao Paolo, Chicago, Rouyn-Noranda et Tiohtia:ke – Moonyiang, autant sur les scènes contemporaines, qu’en musée et en galerie.

Depuis 2015, Andréane est pédagogue et offre des ateliers de contorsion et de dramaturgies interdisciplinaires. Elle participe en 2017 à la mise sur pied de Cirque OFF (Studio 303). Elle agit occasionnellement comme conseillère à la dramaturgie et au mouvement en plus d’être interprète pour divers projets internationaux.

19 au 23 juin 2023

22 au 26 mai 2023

1 au 5 mai 2023 – 13 h à 16 h (lun.-ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 140 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 30$ Tarif régulier
Langue d’enseignement : anglais
Les questions peuvent être répondues en français
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* Paiement à la classe – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
Le terme « vagabonder » signifie errer ou rêvasser de façon aventureuse. Des études ont démontré que les ondes cérébrales alpha, associées aux moments A-Ha ! et à la créativité, sont présentes lorsque l’esprit vagabonde. 

Avec un échauffement basé sur l’imagerie biomécanique, émotionnelle, sensorielle et métaphorique – nous allons conditionner et renforcer l’imagination et la proprioception – en travaillant à partir de techniques et d’images logées dans le corps. 

Nous allons explorer des pratiques hybrides – activant le matériel du corps en puisant dans les sensations, les images et les traces de techniques qui y sont logées, pour produire une danse qui se forme et se reforme constamment.

La pratique du vagabondage incorpore un format d’autodétermination. J’improvise en puisant dans mon imagination et mes archives corporelles pour découvrir des formes, des intensités, des techniques, des traces et des vestiges d’expériences. J’invite les autres à pratiquer avec moi.

La technique Vagabond sera rigoureuse, facilitant les intérêts de chacun en matière de danse et les explorant, à travers des lentilles de qualités et de valeurs. Les participant-es sont invité-es à travailler à partir de leurs désirs personnels, de leurs archives corporelles et de leur tradition de danse.


ACCESSIBILITÉ
Nous serons debout, assis-es, danserons et serons allongé-es sur le sol. Les participant-es peuvent bouger dans la gamme et l’amplitude qui leur conviennent. Les participant-es sont encouragé-es à bouger de la manière qui leur semble la plus intéressante et bénéfique. 


BIOGRAPHIE
Katie travaille sur les territoires traditionnels non cédés des peuples Kanien’kehá:ka, Haudenosaunee et Anishinaabe. Ses partitions de performance créent des conditions permettant de réimaginer ce que nous connaissons. Ses œuvres les plus récentes mettent en lumière les perspectives subjectives de l’interprète et du public en accédant au sentiment de chacun-e par le biais de partitions dansées et parlées. Elle a ainsi présenté un solo intitulé Anything Whatsoever au Festival TransAmériques (Montréal – 2021) deux œuvres de groupe – Dream Room, une coproduction avec Beeldend Danstheatre Telder (Pays-Bas) présentée en simultané à AXENÉ07 (Gatineau) & Scarabee (Arnhem) et en direct sur YouTube en 2021, et imaginationreality (La Chapelle, Scènes Contemporaines, Montréal – 2019) ainsi qu’une partition parlée jouée par 12 spectateur-trices intitulée Machine For Really Real Imaginaries (SappyFest, Sackville, New-Brunswick – 2020) et une série de chansons intitulée Vagabond body diffusée sur Radio Hull avec AXENÉ07 et Daïmon (Gatineau – 2020).

Ses chorégraphies précédentes incluent Human Synthesizer (Tangente – 2017), Matière Grise (FTA – 2016), Infinity Doughnut (2014) et Rock Steady (2010). Ses créations furent présentées au Québec et au Canada ainsi qu’au festival Nottdance – organisé par Dance4 (Royaume-Uni), au Festival Exit à la Maison des Arts de Créteil et au Festival Via à Maubeuge.

Katie est titulaire d’une maîtrise en pratiques théâtrales de l’Université Artez, à Arnhem, aux Pays-Bas et est également une enseignante dont la pratique intègre la chorégraphie, la danse, la dramaturgie, la biomécanique et l’anatomie expérientielle.

20 au 24 février 2023

23 au 27 janvier 2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun. -ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 150 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 32$ Tarif régulier
Langue d’enseignement : français
Les questions peuvent être répondues en anglais
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toutes disciplines

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* Paiement à la classe – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
Cet atelier veut faciliter une recherche autour de la bioluminescence et du spectre des possibles pour générer sa propre lumière. Certains organismes vivants produisent cette lumière pour communiquer, séduire, se protéger ou encore leurrer leurs proies. Il s’agira de tenter de matérialiser ce phénomène biologique corporellement et à travers de petites installations scénographiques lumineuses pour honorer individuellement et collectivement ce rayonnement intime.

Comment la lumière produite par d’autres objets-dispositifs lumineux portatifs peut influencer un état de présence par sa couleur, chaleur, texture et même son rythme ? Devenir une prolongation des gestes et produire une sensorialité dans l’espace ? À nu ou habillé de matières lumineuses et réfléchissantes manipulables, nous explorerons le corps « bioluminescent » ; ses surfaces iridescentes, les tissus cellulaires, la corporeité vibratoire, sensuelle et habitée du système nerveux des polypes qui constituent méduses et coraux. Nous oscillerons entre trajectoires corporelles somatiques microscopiques et hautement athlétiques pour générer de l’énergie ensemble. 

Les participant-es sont invité-es à apporter des matériaux réfléchissants, iridescents, brillants etc. (vêtements, tissus, petits accessoires ou objets)


ACCESSIBILITÉ
Il y aura beaucoup de travail individuel, mais aussi des échanges en petit groupe. Certains exercices suggèrent des rapprochements physiques. La discussion et de cercle de parole seront présents, mais ne prendront pas trop de place.  Il y aura un petit travail d’écriture et de mots. La musique forte sera présente à 50% du temps. Une structure similaire sera offerte chaque jour, mais sur un format évolutif où de nouveaux exercices s’ajouteront tous les jours. Il y aura des parcours physiques qui demandent plus d’endurance ou une certaine dextérité technique, mais le matériel sera adaptable et il y aura différentes alternatives proposées. Les exercices sont à 90% basés sur des structures d’improvisations et certaines explorations se feront dans le noir, ou avec les yeux fermés. L’utilisation des outils-objets ou de matières lumineuse pourrait déranger certaines personnes sensibles à la lumière. Ces objets seront présents pendant 1 heure environ. Les personnes à mobilité réduite pourraient rencontrer des obstacles, mais elles y seront guidées afin qu’elles puissent profiter autant que les autres. 


BIOGRAPHIE
Depuis 20 ans, Louise Michel a travaillé pour différentes compagnies et artistes indépendants tel(le)s que Hanako Hoshimi-Caines, Rubberbandance, Dana Gingras, Fréderick Gravel, Adam Kinner, Simon Portigal, Lara Oundjian et Sidi Larbi Cherkaoui.  Après avoir vécu 5 ans en Belgique, elle a navigué entre Bruxelles et Montréal, créant son premier projet « STROKE » aka SHUDDER en collaboration avec Ben Fury (Belgique), présenté en première à Charleroi-danses (Bruxelles 2016) et dans plusieurs salles dont au OFFTA (2015), Tangente (Montréal 2016), Palais de Tokyo (Paris 2016) et le Festival de Lausanne 2017. Elle a crée Bright Worms (Théâtre La Chapelle Avril 2021), une recherche sur la bioluminescence avec intégration de projection vidéo et dispositifs lumineux en collaboration avec l’artiste sonore Magali Babin. Elle a été soutenue comme artiste en résidence par le « third floor » associé à l‘Usine C entre 2019 et 2021. Elle enseigne régulièrement ici et à l’étranger et ces échanges se révèlent de plus en plus cruciales et complémentaires dans sa démarche. Depuis 2021, elle travaille parallèlement dans le domaines des plantes et des fleurs. Ce deuxième métier passionnant terre à terre s’avère désormais essentiel pour maintenir un bon équilibre mental et entretenir un espace de recul nécessaire à sa pratique artistique.

21 au 25 novembre 2022

5 au 9 décembre 2022

28 novembre au 2 décembre 2022

10 au 14 avril 2023 – 10 h à 13 h (lun. -ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 165 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 35$ Tarif régulier
Langue d’enseignement : français
Les questions peuvent être répondues en anglais
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* Paiement à la classe – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
Krump VIIZION est une expérience permettant aux participant-es de plonger dans la philosophie du Krumper 7Starr. L’atelier consiste à visiter les notions de base sous forme de «drills» et de pousser les danseurs-euses à exploiter leur créativité à travers des éléments de la culture du «street dance».


ACCESSIBILITÉ
Les ateliers consistent à explorer les notions de base du Krump tout en explorant les différentes manières dont elles se transmettent dans différents contextes. L’alter-ego, le dialogue et la créativité sont des thèmes qui seront en corrélation tout au long de la semaine.

Nous allons généralement débuter les cours avec un réchauffement misant à éveiller tout le corps et pour activer la sensibilité par rapport à notre espace et aux autres individus. Le type de et les rythmes utilisés sont généralement variés et ne sont pas toujours Krump. Toutefois, les techniques et vocabulaire de base seront expliqués sur de la musique Krump avec une intensité et un volume cherchant à pousser les participant-es physiquement.

Certains exercices se feront en sous-groupe mais pas nécessairement avec contact. Mais plutôt sous forme d’échange face à face style «battle». Toutes les consignes sont dites oralement suivies d’une démonstration physique. Il y a également des enchaînements de mouvement qui seront expliqués aux participant-es pour leur permettre de se familiariser avec le langage. Le rythme peut facilement s’adapter aux besoins des participant-es. Les séances se terminent généralement avec une période d’étirement suivie d’une discussion. Les personnes à mobilité réduite pourraient rencontrer des obstacles.


BIOGRAPHIE
Vladimir «7Starr» Laurore est un artiste Krump de renommée internationale. Il a co-fondé le Bzerk Squad, la première troupe de danse Krump au Canada et en 2008, le Gutta Zone, premier grand festival du genre au pays. Il est reconnu pour son engagement communautaire et a également lancé sa carrière musicale en 2021 avec son album solo intitulé : «Diff Diff».

14 au 16 novembre 2022

14 au 18 novembre 2022

17 au 21 avril 2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun. -ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec
Langue d’enseignement : anglais
Les questions peuvent être posées en français
Capacité : 15 personnes
Ouvert aux artistes de toutes disciplines

Les participant-es devront fournir une lettre d’intention ainsi qu’une courte biographie d’ici au 2 avril 2023. Les facilitatrices tiendront compte de vos parcours dans la composition de l’atelier.
Cet atelier est offert en collaboration avec Playwrights’ Workshop Montreal.

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >
(date limite 2 avril)

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
PWM et le Studio 303 invitent dramaturges, artistes de théâtre, danseur-euses, artistes de cirque et artistes interdisciplinaires à la quatrième édition du Laboratoire de dramaturgie interdisciplinaire. Dirigé par Kathy Casey (danse), Dana Dugan (cirque) et Fatma Sarah Elkashef (théâtre), le laboratoire est un espace où les artistes peuvent échanger des outils dramaturgiques, partager des défis et des expériences, et explorer comment nous travaillons en ces temps exceptionnels.

ACCESSIBILITÉ
Vous trouverez les actions et réflexions de Playwrights’ Workshop Montréal (PWM) ici : https://www.playwrights.ca/2022/02/14/accessibility-committee/ 

BIOGRAPHIES
Née en Caroline du Nord, Kathy Casey commence sa carrière de danseuse en 1979 avec la Chicago Moving Company. Installée à New York en 1980, elle danse pour de nombreux chorégraphes avant de rejoindre la Lar Lubovitch Dance Company en 1984. En 1989, elle devient membre de la Susan Marshall & Company, avec laquelle elle collabore depuis 1981. De 1985 à 1989, elle a également assisté M. Lubovitch et Mme Marshall en création. Kathy Casey a dansé en Europe, en Asie et en Amérique du Nord et continue de donner de nombreux ateliers au Canada et aux États-Unis. Accueillie par Montréal Danse en 1991, elle a été nommée directrice artistique de la compagnie en mars 1996. Une partie importante de son travail consiste maintenant à collaborer avec les chorégraphes sur la dramaturgie des œuvres créées pour la compagnie. En plus de son travail avec Montréal Danse, elle travaille également comme conseillère artistique auprès de chorégraphes indépendants de la ville.

Dana Dugan est une artiste-chercheuse, mère, interprète, enseignante et dramaturge basée à Montréal. Elle a été membre fondatrice du Chicago Contemporary Circus Festival (Chicago, 2014-15) et du CirqueOFF (Montréal, 2017). Actuellement, elle est membre du PARC (Performance Arts Research Cluster) à l’Institut des Milieux pour les arts, la culture et la technologie (Montréal) ; elle travaille comme assistante de recherche pour le Dramaturgical Ecologies Research Collective (Montréal) ; Diasporic Dramaturgies Working Group (Montréal) ; et siège au comité éditorial de TURBA : The Journal of Global Practices in Live Arts Curation (Montréal). Dana a terminé sa maîtrise à l’Université Concordia (Montréal, 2018) dans le cadre d’une bourse en tant que chercheuse basée sur la pratique, enquêtant sur son corps de circassienne comme site pour cultiver des dialogues critiques à travers le concept et la pratique de la (dés)obéissance. Elle poursuit sa recherche incarnée sur la (dés)obéissance en tant que candidate au doctorat dans le programme interdisciplinaire de sciences humaines de l’Université Concordia (Montréal), en utilisant le corps comme interface avec les Performance Studies et les Black Studies vers une politique ontogénérative perturbatrice, transformative et affirmative.

*** Pour honorer la complexité et les tensions inhérentes à l’œuvre et à nos différents positionnements raciaux dans le climat sociopolitique actuel, je fais état et reconnais ma situation. Mon corps n’est pas neutre et je rejette la centralité de la Blancheur. Pour ce faire, je dois d’abord localiser ma Blancheur et reconnaître sa centralité inhérente. En tant que Dana, située dans ce moment avec ma propre dramaturgie incarnée, j’évolue dans le monde en tant que blanche, artiste, amante, mère (j’emmerde le reste !) vers la Blancheur queer – pour déboulonner la Blancheur et résister à sa re/production. 

Fatma Sarah Elkashef, Sarah est une créatrice de théâtre, principalement une dramaturge, et la directrice artistique du Playwrights’ Workshop Montréal (PWM). Avant cela, Sarah a travaillé comme dramaturge indépendante à Montréal et a participé à l’évolution de nombreuses pièces et performances. Née et élevée au Royaume-Uni de parents égyptiens et néerlandais, elle est installée à Tiohtià:ke (Montréal) depuis 2010. Avant de s’installer au Canada, Sarah est devenue lectrice principale au Soho Theatre de Londres, au Royaume-Uni, après avoir vécu et travaillé à New York pendant plus de dix ans. Curieuse du processus de création et de développement à travers les disciplines de la performance, Sarah a lancé le Laboratoire interdisciplinaire des auteur-rices au PWM afin d’explorer des méthodes de travail non centrées sur le texte. À l’École nationale de théâtre du Canada, elle a travaillé en tant que dramaturge, enseignante et créatrice dans les différents programmes depuis 2012. En 2016, elle a été récipiendaire de la bourse Bly Creative Fellowship du Literary Managers and Dramaturgs of the Americas (LMDA) pour les artistes qui créent de nouvelles approches de la dramaturgie. En 2018, elle a co-créé et co-réalisé un spectacle de cirque pour les familles, Eat Sweet Feet avec Krin Haglund et The Radiant (TOHU). En mars 2021, Sarah a codirigé (avec Sylvia Cloutier) une pièce audio Lâche pas la patate d’Yvette Nolan pour Imago Theatre. Les préoccupations artistiques de Sarah sont ancrées dans son identité et sa pratique hybrides, et elle est enthousiasmée par les futurs possibles pour la collaboration et le partage de processus entre les disciplines de la performance. 

7 au 11 novembre 2022

29 mai au 2 juin 2023

24 au 28 octobre 2022

17 au 21 octobre 2022

31 octobre au 4 novembre 2022

10 au 14 octobre 2022

15 au 19 mai 2023 – 10 h 00 à 12 h 30 (lun.-ven.)
Prix pour la semaine complète : 70 $ avec le soutien de Services Québec / 175 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 37$ Tarif régulier (lundi et/ou mardi seulement)
Langue d’enseignement : anglais
Les questions peuvent être posées en français, ou allemand
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

Les travailleurs-euses du sexe sont bienvenues à utiliser la bourse d’atelier pour s’inscrire, sans avoir a justifier leur choix.

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTEE >

* Paiement à la classe – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

Cet atelier est malheureusement annulé dû à la COVID-19.

CONTENU
Cet atelier joue avec les notions socialisées de la sexualité + du concept bouddhiste du fantôme affamé. Le-a strip-teaseur-euse Gollum sert de figure mutante aux prises avec ses sensations de vide, ses désirs et les désirs que les autres ont d’elleux, afin de développer un humour compatissant à l’égard des hantises internes et externes. 

Cette recherche pose la question suivante : Est-il possible que nous devions (être plus doux avec ?) nous éloigner de la réparation des parties « cassées » de nous-mêmes et plutôt embrasser la complexité inhérente à nos nombreux-euses soi ? Si être entier-ère ne signifie pas être cohérent-e ou prévisible… pouvons-nous embrasser la complexité et la diversité de nos mondes intérieurs, et reconnaître que tout est en état de fluctuation !?

LE FANTÔME AFFAMÉ :

Dans le bouddhisme oriental, le fantôme affamé représente la faim insatiable qui habite les gens et qui est souvent associée au désir insatiable et à la dépendance. Il est représenté de la manière la plus populaire par le personnage de l’esprit «sans visage» dans le film de Hayao Miyazaki «Spirited Away» et est un point central dans le livre de Gabor Maté «In the Realm of Hungry Ghosts : Close Encounters with Addiction». Le fantôme affamé se retrouve également dans le personnage de Gollum/Sméagul du roman de J.R.R. Tolkein, «Le Hobbit» et sa suite «Le Seigneur des anneaux».

LA LIGNÉE DES STRIP-TEASEURS-EUSES :

Le strip-tease a ses racines dans de nombreuses cultures de danse, y compris le ballet, en tant qu’échange entre le-a danseur-euse et le-a patron-ne. Il s’agit d’une forme de travail sexuel entremêlée de dynamiques de pouvoir complexes, de stigmatisation, de secrets, d’emploi autonome, d’emploi instable, d’économie underground, d’achat de plaisir, d’industrie du charme et de bien d’autres choses encore. Il est important de noter que cette forme de travail du sexe en intérieur se situe dans une partie différente du spectre de la sécurité que le travail du sexe en extérieur et le travail du sexe de survie – même s’il peut y avoir des chevauchements entre les deux.

5 JOURS x 2,5 HEURES :

Cet atelier commence par une séance d’entraînement qui s’inspire du qigong, de la physiothérapie et du wxmb cxre – une pratique de la respiration, de la voix et du mouvement pour réchauffer le corps de l’intérieur. Les participant-es feront l’expérience d’un accordage de la colonne vertébrale, de la respiration et de la voix qui s’étend vers les membres avec un haut niveau de physicalité avant de plonger dans des improvisations basées sur l’état. 

L’aspect recherche de cet atelier joue avec le mythe de la personnalité et de la contradiction. Nous plongerons profondément dans la recherche basée sur l’état et la transformerons en quelques mouvements répétables pour ensuite créer une chorégraphie de groupe qui danse ludiquement l’hypocrisie de l’expérience humaine. Préparez-vous à transpirer !…et à voyager dans le temps au cours de votre périple somatique, alors que nous explorerons différents aspects du soi. 

APPROCHE
J’invite les participant-es à être attentif-ves lorsqu’iels jouent avec ces mouvements. J’encourage le travail à la «limite résiliente de la résistance» – un terme nommé par Chester Mainard. Ce terme a été créé dans le contexte du massage érotique pour décrire un toucher qui n’est ni trop fort ni trop doux. Comment pouvons-nous appliquer ce terme à l’exploration du mouvement ? Je ne sais pas ce qu’il en est pour vous, mais je l’imagine comme un équilibre entre le fait de repousser ses limites tout en prenant soin de soi dans le contexte social d’un atelier. Prenez ce dont vous avez besoin et laissez le reste. 


BIOGRAPHIE
Se déplaçant entre le son et la performance, Be Heintzman Hope est un-e facilitateurice de musique, de danse et de rituel corporel basé-e entre Tio’tia : ke/Mooniyang, colonialement connu sous le nom de Montréal, et les territoires non cédés des peuples xʷməθkʷəy̓əm (musquem), Sḵwx̱wú7mesh (Squamish) et səl̓ílwətaʔɬ (Tsleil-Wateuth). 

Leur pratique associe la formation en danse à la résolution des conflits, à la guérison et aux arts communautaires. Iels organisent des ateliers dans des espaces de transition, des institutions de danse, des universités, des contextes DIY et des festivals qui mettent l’accent sur les corps queer, trans, racisés et les travailleur-euses du sexe – offrant la méditation, le chant et la danse comme des médecines à ceux et celles qui sont aux premiers rangs de leur parcours de guérison. 

26 au 30 septembre 2022

3 au 7 octobre 2022

8 au 12 mai 2023

19 au 23 septembre 2022

12 au 16 septembre 2022

5 au 9 septembre 2022

3 au 7 avril 2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun.-ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 150 $ Tarif régulier
* À la classe : 22 $ avec le soutien de Services Québec / 32$ Tarif régulier (lundi et/ou mardi seulement)
Langue d’enseignement : français
Les questions peuvent être posées en anglais, ou espagnol
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* Paiement à la classe – par carte de crédit ou virement interac sur place le matin même, si la capacité le permet (aucune réservation).

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
«Le clown n’a pas besoin de porter une revendication sociale précise. Il est à lui seul une rébellion.»

C’est vrai. Les clown-e-s sont un pas de côté. Un refus de la norme. Une excentricité pure, voire un dynamitage des codes sociaux. Mais si on allait plus loin ? Si on utilisait notre colère face aux inégalités, par exemple, pour mettre en scène des tableaux clownesques qui allument une étincelle ?

Cet atelier propose des pistes de réflexion et d’action afin de politiser l’imaginaire clownesque. Sans perdre de vue l’innocence du personnage et sa liberté farouche, nous allons créer des fresques sociales s’apparentant à des flash mobs dans l’espace public. Nous allons documenter le processus (médium vidéo) afin de développer des outils qui puissent servir à d’autres que nous, de continuer à écrire l’histoire du clown-activisme.

Costumier inclus dans l’expérience.


ACCESSIBILITÉ
Le travail du clown est en général assez physique, quoique certains ateliers spécifiques sont plus restreints sur ce plan. Cela dit, si vous présentez une limitation importante sur le plan physique, il demeure possible de participer. Afin de vous accueillir adéquatement, il serait important de communiquer avec nous afin de bien comprendre vos enjeux et de nous adapter.

La voix est partie constituante de l’approche du clown de La Nab (pas le verbe, mais la voix). Elle n’est pour autant pas toujours présente dans les exercices demandés, le corps et les émotions demeurant au premier plan. Les ateliers que nous offrons peuvent être rendus accessibles aux personnes sourdes si un-e interprète est présent-e, et que la personne comprend que la musique peut être utilisée pour certains exercices.

Handicap visuel, déficience intellectuelle, chaise roulante et autisme : la formation n’est malheureusement pas adaptée.


BIOGRAPHIE
La Nab vient de la planète poésie. Fondatrice de L’École Brimbalante, elle a mis en scène des déambulations publiques, des pièces de clown poétique pour le grand et le jeune public, elle a réalisé des vidéos d’art, publié des articles et des poèmes. Elle se dédie depuis 2015 à l’enseignement de l’art clownesque.

9 au 12 mai 2023 – 13 h à 16 h (mar. -ven.)
Prix pour les 4 jours : 150 $
* À la classe : N/A – inscription à la semaine uniquement
Langue d’enseignement : anglais
Capacité : 23 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toute discipline

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
L’objectif principal de cet atelier est la recherche consciente de l’unification de notre corps / mental / âme, afin que nous puissions profiter profondément du processus intrinsèque de métamorphose propre à la danse.
Grâce à l’exploration continue de nos mémoires collectives passées, nous pouvons trouver une veine de ressources créatives abondantes, enrichissant l’essence de notre danse et de notre vie.
Tout est en résonance l’un avec l’autre.
La résonance corporelle est une clé pour ouvrir les portes d’un monde en perpétuel changement à l’intérieur et à l’extérieur de nous-mêmes, qui aide le corps à déployer ses potentiels, en les maintenant jusqu’à ce qu’ils brillent et vibrent.
En dialoguant avec notre corps, nous pouvons apprendre à nous laisser mouvoir par les forces intérieures et extérieures, réalisant ainsi que nous faisons partie de l’ensemble.
Une danse de métamorphose apparaît inévitablement. 


ACCESSIBILITÉ
Le contenu de mon atelier pouvant être accessible aux personnes ayant un handicap physique:

• – Les exercices de relâchement, inspirés de Noguchi Taiso (Gymnastique), utilisent le sens de la gravité et peuvent se faire debout, assis ou sur une chaise. 

• – Les exercices de respiration se passent avec les sons et la voix, mais il est également possible de les faire sans.

• – Le Mouvement organique où les participant-es peuvent ajuster la position, la dimension, la vitesse et la quantité en fonction de leur physique.

L’atelier est:

• – Une combinaison d’images et de mouvements physiques avec des exercices tels que la figure de 8, les vagues, le dessin d’un cercle (avec chaque partie du corps)
• – Composé d’improvisations et des chorégraphies guidée pouvant être adaptées en fonction du niveau physique.

BIOGRAPHIE
Yumiko Yoshioka est une danseuse de Butoh, professeure de danse et chorégraphe japonaise originaire de Tokyo. Depuis 1988, elle est installée à Berlin. Yumiko fut membre d’Ariadone de 1974 à 1982, la première compagnie féminine de Butoh. En 1978, elle a joué avec Carlotta Ikeda et Ko Murobushi à Paris Le Dernier Eden- Porte de L’Au-Delà, le tout premier spectacle de Butoh à être présenté dans un théâtre public en dehors du Japon. 
Entre 1995 et 2016, elle fut membre du noyau de TEN PEN CHii Art Labor, une formation artistique interdisciplinaire et expérimentale en tant que danseuse et chorégraphe avec Joachim Manger (artiste visuel) et Zam Johnson (compositeur et musicien). 
Depuis 2016, elle travaille en tant que danseuse solo et participe à de nombreuses collaborations avec des artistes de l’international. Les danseur-euses encouragent Yumiko à déployer son style personnel de danse et de chorégraphie.
www.yumiko-yoshioka.com

2023 – 9 h 30 à 12 h 30 (lun.-ven.)
Prix pour la semaine complète : 85 $ avec le soutien de Services Québec / 190 $ Tarif régulier
* À la classe : N/A inscription à la semaine uniquement
Langue d’enseignement : anglais
Les questions peuvent être posées en français
Capacité : 15 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toutes disciplines

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
L’Écoute interstitielle (EI) est une technique somatique conçue pour aiguiser la conscience de la discrétisation continuelle des événements dans l’espace-temps, de sorte que les interprètes puissent intervenir esthétiquement dans les intervalles d’où émergent les rythmes du mouvement et du son. L’EI implique la répétition d’une tâche apparemment simple et pourtant impossible : synchroniser son comportement – taper du pied, respirer, marcher, danser – avec le tempo d’un métronome qui commence par être régulier, mais qui devient de plus en plus imprévisible d’un temps à l’autre. Plutôt que d’assujettir la temporalité de son propre mouvement à celle du métronome par anticipation ou imitation, l’EI explore des stratégies permettant de se produire en relation continue avec la temporalité d’un-e autre, même si elle échappe à tout contrôle immédiat. Les dimensions somatiques de l’Écoute interstitielle impliquent de prendre conscience du comportement de sa propre conscience, et des effets des habitudes disciplinaires, pour s’engager plus pleinement dans la musicalité inhérente au mouvement lui-même.

www.interstitial-listening.com


ACCESSIBILITÉ
Ouvert aux interprètes ayant une formation et des capacités diverses. Une grande partie de la pratique est autodirigée, dans le cadre de directives claires, afin que les individus puissent faire des choix sur la façon de s’engager à chaque moment. Teoma a enseigné de nombreux ateliers basés sur le mouvement, ouverts aux personnes de toutes capacités, mentales et physiques. Cet atelier repose sur la perception du son et la conversation. Des adaptations seront donc nécessaires pour les personnes sourdes, comme l’utilisation d’un retour tactile. N’hésitez pas à nous contacter à l’avance si vous avez des questions sur l’accessibilité ! (C’est possible d’inscrire vos besoins dans le formulaire d’inscription en ligne). 


BIOGRAPHIE
Teoma Naccarato et John MacCallum collaborent depuis leur rencontre en 2013. Leur travail collectif s’appuie sur leurs formations en composition musicale, chorégraphie, informatique et écriture créative, ainsi que sur leur intérêt profond pour l’art de la performance et la philosophie. Ensemble, iels ont créé de nombreuses œuvres vidéo et de performance qui prennent comme point de départ la matérialité et la temporalité du cœur. Parmi les projets récents, citons III : Once Removed, III : Tangente, Synchronismand Portraits, présentés à Toronto, Montréal, San Francisco, Phoenix, Londres, Hambourg et Berlin. Depuis 2016, ils ont développé la pratique de l’Écoute interstitielle (Ei) à travers des résidences et des ateliers intensifs avec des danseur-euses et des musicien-nes du monde entier. Teoma est titulaire d’un doctorat du Centre de recherche sur la danse (C-DaRE) de l’Université de Coventry, et d’une maîtrise en beaux-arts de l’Université d’État de l’Ohio. John a obtenu son doctorat en composition musicale à l’UC Berkeley et sa maîtrise à McGill. Iels vivent actuellement à Berlin avec leur chat.

Dates à venir – 2023
Prix pour la semaine complète : 45 $ avec le soutien de Services Québec (105 $, prix non éligible)
* À la classe : 11 $ avec le soutien (23 $, prix non éligible)
Langue d’enseignement : anglais
Capacité : 12 personnes, priorité semaine complète
Ouvert aux artistes de toutes disciplines

INSCRIPTION POUR LA SEMAINE COMPLÈTE >

* À la classe – paiement par crédit ou virement interac. Connectez-vous 15 minutes à l’avance si vous planifiez venir à la classe.

En vous inscrivant à un atelier, vous vous engagez à annuler votre participation si vous avez des symptômes ou pensez être atteint de la COVID-19. Veuillez lire l’engagement des participant-es avant de vous inscrire. Merci!

CONTENU
Cette série d’ateliers est consacrée à la création et au développement de votre nouvelle pièce de performance et/ou d’art visuel. Les deux premiers jours permettront un aperçu de nos pratiques artistiques collectives. Cela peut vous aider à définir, pour vous-même et pour les autres, votre façon de travailler. Comprendre comment nous parvenons à nos œuvres finales, examiner le processus et apprendre comment les autres travaillent peut éclairer notre pratique et nous aider à mieux nous accomplir. Nous pouvons ensuite passer à l’élaboration de nos propres pièces, nous aider mutuellement et profiter de ce temps pour travailler nos idées en groupe. Cette opportunité est idéale, car le fait de travailler ensemble collectivement nous donnera un retour immédiat et nous permettra de rassembler plus de ressources plus rapidement. Vous pourrez quitter cet atelier avec une meilleure compréhension de votre façon de travailler et des meilleures pratiques des autres et peut-être repartir avec une nouvelle œuvre ou le développement d’une idée importante.

ACCESSIBILITÉ
Cet atelier est en ligne, il est nécessaire d’utiliser la plateforme Zoom. Il y aura des discussions et du partage de visuel. Le travail sera en groupe et individuel.

BIOGRAPHIE
Skeena Reece est une artiste Tsimshian/Gitksan et Cree/Metis basée sur la côte ouest de la Colombie-Britannique. Son travail a été connu à l’échelle nationale et internationale particulièrement par son installation et sa performance audacieuse Raven : On the Colonial Fleet (2010) faisant partie du célèbre groupe d’exposition Beat Nation. Sa pratique multidisciplinaire comprend la performance, le slam, l’humour, le « sacred clowning », l’écriture, la musique, la vidéo/film et les arts visuels. Elle a étudié les arts médiatiques à Emily Carr Institute of Art and Design. Elle est récipiendaire du British Columbia Award for Excellence in the Arts (2012), du VIVA Award (2014) et du Reveal – Hnyatshyn Award (2017). Pour Savage (2010), Reece a gagné le Leo Award pour meilleure performance dans un court métrage. Elle a performé à la 17e Biennal de Sydney, Australie. Ses expositions récentes incluent Interior Infinite à la Gallerie Polygon (2021) et Women and Masks Research Conference pour l’université de Boston, Massachusetts.

17 au 21 sept. 2018 

24 au 28 fév. 2020

8 au 12 mars 2021

2 au 6 mai 2022

**COMPLET** 14 au 18 juin 2021

**COMPLET** 7 au 11 juin 2021

**COMPLET** 17 au 21 mai 2021

**COMPLET** 10 au 14 mai 2021

**COMPLET** 3 au 7 mai 2021

**COMPLET** 21 au 23 juin 2021

12 au 16 avril 2021

22 au 26 févr. 2021